Avis de Rick :
Parfois, quand on a envie de se marrer un bon coup entre potes, on prend quelques bières, et on part en recherche d’un nanar de compétition. Tue et Tue Encore, sorti uniquement en VHS chez nous dans un doublage absolument génial de médiocrité, fait indéniablement parti de cette catégorie. Le genre de métrage où tout, absolument tout, est mauvais au point d’en être extrêmement drôle et de nous faire passer le moment que l’on cherchait. Dès son générique d’ouverture sur une musique énervante du plus mauvais effet, le film démarre sur les chapeaux de roues. Musique insupportable, titres « flottants » parfois illisibles, puis on enchaîne sur une petite baston avec notre super héros, je veux bien entendu dire le grand James Ryan. Si vous ne le connaissez pas, c’est pas bien grave, il y a peu de chances que vous entendiez à nouveau son nom un jour.

Avec sa coiffure sentant bon le début des années 80 (le film date de 1981), son inexpressivité quasi totale, son jeu mou et peu crédible, et en plus, ses compétences martiales pas franchement au top, James Ryan, jouant Steve Chase, a tout du héros de nanar. Et c’est pour ça qu’on l’aime. Sautant partout, donnant des coups (enfin parfois, on remarque bien les coups donnés à côté, faut pas abuser non plus), débitant des dialogues sans intérêt, James Ryan a l’air de s’éclater, et c’est tant mieux pour lui. Tout ce qu’il fait a l’air de sortir d’un autre monde, d’un autre temps, et c’est pour ça que c’est drôle. Après une présentation des deux personnages principaux, le grand Steve Chase donc, qui quand il s’énerve et va faire quelque chose d’impressionnant pousse un « Yayayiiii » absolument culte, et la blonde Kandy, toujours très convaincante quand elle doit expliquer l’histoire du métrage à base de trafic de drogue à base d’essence de pommes de terre, de contrôle de l’humanité et tout (notez comment le tout est crédible quand on les met dans la même phrase), c’est parti.

Marduk est donc le grand méchant, qui joue mal, à une fausse barbe immonde, un perroquet, une maman qui l’appelle son petit roudoudou et une femme aux cheveux rouges. Il cultive de la drogue de pomme de terre (me demandez pas si c’est possible, j’en sais rien techniquement, mais j’ai de forts doutes), créant ainsi une armée de figurants drogués deux de tensions qui s’entraînent au karaté et qui se préparent à envahir le monde entier pour l’assouvir (rajoutez le rire diabolique là). Et bien sur, pour sauver le monde, plutôt que de se la jouer Michael Bay, d’envoyé un commando et de tout faire exploser, on envoi Steve Chase… La première partie du film nous offre de grands moments, Steve allant créer son équipe en allant les voir les uns après les autres, nous donnant ainsi quelques combats, de la philosophie de comptoir, et des doubleurs en roues libres. Car entre deux combats n’importe nawak et deux cris, on nous offre du lourd en dialogue, et donc forcément, en doublage. Entre les figurant shootés semblant sortir d’un hôpital psychiatrique et les acteurs très convaincants qui essayent d’appuyer tous les effets (il faut voir la scène où un acteur se prend une balle dans la jambe pour le croire). Malgré tout, entre deux délires, entre deux rires, il faut bien avouer que cela avance très très doucement. Ce qui est dommage, on a presque envie de s’endormir entre deux moments cultes. Le réalisateur n’a pourtant pas oublié de nous offrir entre temps une scène de drague totalement à côté de la plaque, sans doute la pire jamais vue, où Steve Chase va carrément, tout en parlant avec Kandy Kane, lui lécher l’épaule (je ne ment pas, c’est dans le film) !

Fort heureusement, Steve Chase, trop fort, va bien entendu tenter de s’infiltrer, lui et sa bande, dans le groupe terroriste, ce qui donnera des situations bien comiques la plupart du temps, parfois juste ridicules, et ce qui amène plutôt rapidement au final. Ah le final, ces moments où les méchants se lâchent totalement, où on nous sort des personnages censés être des champions mais qu’on a beaucoup de mal à prendre au sérieux vu leur dégaines, où les rebondissements de situations pas crédibles se multiplient, mais où, comme souvent, tout se termine bien dans le meilleur du monde grâce à des astuces scénaristiques totalement out of the world. Oui, Tue et Tue Encore, c’est tout ça. Un peu d’ennui, beaucoup de rires, des situations qu’on ne voit pas venir, un méchant pas crédible un seul instant, beaucoup de combats mal chorégraphiés ou de coups inutiles (genre je fais 5 saltos avant pour arriver devant mon ennemi et prendre la pause), beaucoup de cris tous plus cultes les uns que les autres. S’il ne souffrait pas de quelques défauts comme des moments tournant à vide, Tue et Tue Encore serait un nanar culte. Néanmoins, pour l’amateur, il reste tout à fait recommandable, et permet de passer un moment bien rigolo, à voir de préférence à plusieurs.

Tue et Tue Encore, c’est du lourd ! Du cri (yayayiiiii), du combat, des acteurs en roue libre, une histoire qui ne veut rien dire. Oui, c’est ça, on rigole ou on s’ennuie.

Note sérieuse : 

Note nanar : 

 Extrait du film, avec musique appuyée, doublage génial, petit cri, et un bullet time avant l’heure

Titre : Tue et Tue Encore – Kill and Kill Again
Année : 1981
Durée : 1h35
Origine : U.S.A – Afrique du Sud
Genre : Nanar de compétition
Réalisateur : Ivan Hall

Acteurs : James Ryan, Anneline Kriel, Michael Mayer, Marloe Scott Wilson et Bill Fynn

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]]> http://facecachee.hkmania.com/?feed=rss2&p=2847 5 http://facecachee.hkmania.com/?p=2821 http://facecachee.hkmania.com/?p=2821#comments Mon, 20 May 2013 22:01:55 +0000 Cherycok http://facecachee.hkmania.com/?p=2821 Des grandes machines aliens ont envahi la Terre et exterminent petit à petit toute forme d’humanité. Les quelques survivants essaient de s’organiser pour former un groupe armé qui sera le dernier rempart avant l’extinction totale de l’être humain.

Avis de Cherycok :
Financé et réalisé de manière ultra indépendante, Alien Dawn est l’œuvre de Neil Johnson, dont la filmographie est essentiellement composée de Direct to Video, et lorgne clairement du coté de La Guerre des Mondes de Spielberg, le budget en moins étant donné que ce dernier est estimé à un peu moins de 2 millions de dollars ce qui pour un film de science fiction où la destruction va être le maitre mot est très faible. Mais étrangement, et la bande annonce est là pour le prouver, Alien Dawn ne semble au premier abord pas si ridicule que ça.

Au début, on se dit qu’on est devant une énième production bas de gamme made in Asylum ou SyFy avec des titres où le mot Alien est mangé à toutes les sauces : Alien Tornado, Alien vs Hunter, Alien Showdown The Day the Old West Stood Still (je vous jure que ce titre existe),… Mais rapidement, on sent qu’on joue dans la catégorie au dessus avec des scènes impliquant les engins extraterrestres de plutôt bonne facture en terme d’effets spéciaux, ça en est même étonnant. Étrangement bons en ce qui concerne les machines, on est par contre un peu en deçà pour les explosions qui ne sont pas des mieux incrustées. Ces dernières sont néanmoins bien faites et ne ressemblent pas à une bouillie de pixels comme on en voit souvent dans les productions bas de gamme (genre récemment dans Camel Spiders).
Les aliens eux même tiennent la route, ressemblant certes plus à un gros tas de tripes gluantes et sanglantes qu’à de vrais extra-terrestres dans l’idée qu’on se fait habituellement d’eux, et c’est dommage qu’ils n’apparaissent en tout et pour tout qu’une minute ou deux.

Alien Dawn rentre direct dans le vif du sujet. Dès la 3ème minute, la guerre contre les aliens est déclarée et comme précisé plus haut, Neil Johnson semble avoir particulièrement apprécié le War of the Worlds de Steven Spielberg tant les gros engins aux longues pattes sont similaires, aussi bien en terme de visuel que d’effets sonores. Les scènes d’action ne sont pas des plus intensives, les survivants se contentant en général d’arroser de balles les grosses machines sont vraiment bouger ni même parfois essayer de se cacher.
Dommage d’entre deux scènes qui bougent, ce soit si bavard. Budget limité oblige, il faut bien meubler, mais le problème c’est que le casting dans sa quasi totalité n’est franchement pas bon. Outre les personnages déjà très clichés, on voit bien qu’ils ne croient pas souvent à ce qu’ils sont en train de faire, laisser même trainer de temps en temps un petit sourire en coin et desservant des dialogues absolument nuls. Seule la jeune fille, interprétée par Rachelle Dimaria et qui passe son temps à se filmer avec son téléphone, s’en sort correctement, les autres ne dégageant aucune émotion ni sympathie à tel point qu’on se fiche éperdument de ce qui leur arrive.

Alien Dawn n’est au final ni un nanar (pas assez fun), ni un navet (pas assez mauvais), juste un petit film fauché au casting foireux heureusement tiré vers le haut grâce à des effets spéciaux qui ont bénéficiés d’une grande attention si on prend en compte le très faible budget du film. Une chose est sure, c’est qu’il ne restera pas dans les annales.

Titre : Alien Dawn
Année : 2012
Durée : 1h21
Origine : U.S.A
Genre : Des aliens sur la ville
Réalisateur : Neil Johnson

Acteurs : Rachelle Dimaria, Brooke Lewis, Michael Abruscato, Tiffany Adams, Alex Bell, Cynthia Martin, Tiffany Martin, Maria Luna, Daniel Bridges, Giovanni V. Giusti, Angela T. Baesa

Avis de Cherycok :
Mis à part La Route et Stake Land, les films post-apocalyptiques ne courent pas les rues de nos jours. Alors lorsqu’un petit nouveau pointe le bout de son nez, l’amateur du genre que je suis s’y intéresse forcément et ce Hell avait de quoi être intriguant sur le papier étant donné que c’est un film allemand, réalisé par un suisse et produit par Rolland Emmerich (Independance Day, Le Jour d’Après). Mais comme beaucoup de mes films, par manque de temps, il reste dans un coin, un peu oublié, pendant plusieurs mois…jusqu’au jour où d’un coup d’un seul il va ressurgir d’outre tombe et me rappeler que les petites productions réservent souvent bien des surprises.

Là où on pourrait croire que le titre fait référence à l’Enfer que vont vivre les personnages, « Hell » voulant dire « Enfer » en anglais, il faut plutôt se tourner du côté de l’allemand où « Hell » signifie « Lumineux » et du coup, ce titre qui aurait pu sembler complètement bateau prend toute sa signification. Lumineux est bien le mot exact pour définir l’ambiance post-apo du film, où le soleil règne en maitre, avec ces scènes en extérieurs tournées en surexposition mais dont le rendu est absolument sublime. L’ambiance y est pesante, oppressante, c’est même déstabilisant au début et on se prend même à plisser un peu les yeux tels les héros du film à cause du surplus de lumière.
Néanmoins, l’univers dépeint est très crédible, avec ces forêts cramées par le soleil avec ces arbres qui choquent presque par leur absence totale de feuilles, où l’eau est la denrée la plus rare, à tel point que les personnages vont jusqu’à récupérer l’eau des toilettes voire même des chauffages jusqu’à la moindre gouttelette. La survie est réellement bien rendue jusque dans les accoutrements des héros vêtus de tenues dignes des bédouins du Sahara, couverts de la tête aux pieds pour ne pas cramer au soleil. La musique quasi inexistante et le rythme un peu lent rendent l’ensemble encore plus étouffant.

Le casting principal est d’ailleurs très convaincant et leurs personnages très humains, parfois courageux, d’autres fois lâches quand il s’agit de sauver sa peau. Mais le film nous montre également une facette bien plus obscure de l’être humain qui devient presque une bête lorsque sa survie est en jeu, ce point là est d’ailleurs plus qu’appuyé lorsque la famille de dégénérés façon Massacre à la Tronçonneuse entre en jeu lorsque le film fait un virage à 90° pour aller vers le survival, délaissant par la même occasion son ambiance visuelle si singulière.
Ce long passage va révéler l’héroïne, simple suiveuse au début, mais bien plus entreprenante à partir de là où elle et sa sœur vont être en danger immédiat face à cette famille cannibale qu’on comprend malgré tout dans un sens (manger à tout prix pour survivre).

Malheureusement, ce changement abrupt des genres ne sera pas bénéfique au film tant on est en deçà des scènes extérieures de toute la première moitié du métrage. Tous les clichés des films du genre sont là, avec l’habituel repas craspec en « famille » ou la salle de découpe et ses crochets de boucher.
Ce n’est d’ailleurs pas le seul point négatif du film, et on trouvera ça très étrange qu’après apparemment déjà plusieurs années de survie sous ce soleil de plomb, nos survivants n’aient pas pris l’habitude de rouler de nuit, « à la fraiche » comme on dit. Et puis, pourquoi ne pas fermer la voiture quand on s’absente quelques minutes ? Pourquoi se séparer alors qu’on est bien plus fort lorsqu’on reste groupé…

Mais malgré ces petites fautes, Hell a eu un effet hypnotique sur moi. Son final mémorable, violent, sec et plein d’espoir après un film d’une grande noirceur, sans la moindre pointe d’humour, ne pouvait pas mieux tomber d’autant plus qu’elle est diablement bien mise en scène. Jamais prétentieux, Hell est une très jolie surprise qui nous prouve que le genre post-apo n’a pas encore dit son dernier mot.

Titre : Hell
Année : 2011
Durée : 1h29
Origine : Allemagne / Suisse
Genre : 76° à l’ombre
Réalisateur : Tim Fehlbaum

Acteurs : Hannah Herzsprung, Lisa Vicari, Lars Eidinger, Stipe Erceg, Angela Winkler, Anne Sarah Hartung, Lilo Baur, Nino Böhlau, Christoph Gaugler, Ellen Schweiger, Tammo Winkler

Avis de Rick :
Don Coscarelli n’est pas un réalisateur facile à produire. Il suffit de voir ses métrages et de lire simplement l’histoire de ceux ci pour s’en rendre compte. Et pourtant, à chaque fois, ces métrages bénéficient d’un statut de films cultes, de films ovnis, et ce depuis le génial Phantasm, en 1979 déjà. Le réalisateur a ensuite laissé place à la facilité avec les suites (de très sympas Phantasm 2 et 4, et un raté 3^ème opus) où à l’héroic fantasy tout public (Dar L’invincible, c’était bien lui), avant de revenir en force en 2002 avec Bubba Ho-Tep, film étrange dans lequel Bruce Campbell incarnait un Elvis en maison de retraite qui affrontait une momie avec un JFK noir en fauteuil roulant. Un mix parfois déroutant et pourtant absolument parfait entre le fantastique, la comédie et le drame. Il aura tout de même fallut attendre 10 ans pour voir le nouveau long métrage de l’artiste. Et quel métrage.

Adapté du roman de David Wong, John Dies At The End nous met dans l’ambiance dès sa scène d’ouverture, et nous met en garde : nous allons voir un film DIFFÉRENT de tous les films fantastiques habituels, un film qui ne reculera devant rien pour nous divertir et nous proposer un film étrange, un film où l’on rigole devant l’absurdité des situations mais également devant les dialogues extrêmement bien écrits. Le réalisateur nous présente donc Dave, personnage principal de l’histoire, et son pote John. Lors d’une soirée, ils sont contaminés par une drogue étrange et vivante appelée sauce soja, qui va leur permettre de voir tout ce qui est invisible normalement, tout ce qui est autour de nous. Et le fait d’avoir ses pouvoirs va leur attirer des ennuis, puisque tout le monde va être après eux, gentils comme méchants. John Dies At The End nous balance alors juste après une rapide présentation dans un univers différent du notre, un univers où tout est possible.

Dans John Dies At The End, un chien peut vous sauver la vie en conduisant une voiture, un hot dog pourra vous servir de téléphone portable, un monstre a base de viande congelée pourra vous attaquer, ou vous pourrez parler à votre meilleur ami mort mais toujours vivant ailleurs avec un certain décalage temporel. John Dies At The End pourrait ressembler à un gros bordel ambiant dans lequel le réalisateur s’autorise absolument tout sans se soucier de cohérence ou autres. Le parcours de nos héros sera étrange, parsemé de surprises en tout genre, tout cela pour pouvoir finalement les amener dans une dimension parallèle pour sauver notre monde de l’invasion d’une créature tentaculaire sortie tout droit de l’univers de Lovecraft. Ce n’est pas assez pour vous ? Oui, le métrage est totalement barré, totalement décalé, mais il ne faut pas oublier que nous avons Don Coscarelli à la mise en scène, et donc également à l’écriture du scénario (ou travail d’adaptation, je n’ai pas lu le roman, qui me tente bien pour le coup), et le père Coscarelli est tout sauf un incapable. Premier gros bon point du film, sa mise en scène. Efficace, sans jamais en faire trop ou nous donner des effets « regarde ce que je sais faire avec ma caméra », l’ensemble est foutrement efficace, aidé par un montage (en parti réalisé par Coscarelli également, sacré bonhomme) plutôt astucieux, avec des retours constants entre l’histoire que l’on nous raconte et Dave posé dans un bar en train de raconter son histoire à un journaliste. C’est du très bon boulot. Le scénario, aussi bordélique et fou soit-il, est extrêmement bien écrit. Pas de baisse de rythme ou autre, l’ensemble se suit d’une traite, et bénéficie d’un travail sérieux.

Les dialogues par exemple sont parfois tout bonnement excellents, et parviennent à nous décrocher quasiment autant de sourires que l’absurdité des situations. Il faut dire que les acteurs sont tout simplement excellents. Outre des premiers rôles relativement méconnus (Chase Williamson pour Dave et Rob Mayes pour John), on reconnaît surtout rapidement des seconds rôles qui font plaisir. Dans le rôle d’un journaliste nous avons tout simplement Paul Giamatti (Cosmopolis, Very Bad Trip 2, Paycheck), dans le rôle d’un magicien qui aime l’artifice Clancy Brown (oui oui, le grand méchant de Highlander) ou encore Doug Jones (Hellboy 1 et 2) dans un rôle plutôt obscur. Tout le monde fait admirablement son boulot et les répliques cultes fusent à vitesse grand V, prenant la relève des idées totalement farfelues du script. Malheureusement, tout n’est pas parfait, le film était bourré d’ambitions, il aurait fallut un budget un poil plus élevé derrière. Ainsi, certaines créatures ou effets numériques, notamment sur la fin, laissent franchement à désirer. Peut être aussi qu’après 1h40 de délires, le spectateur commence à se lasser et devient alors un peu plus exigeant. Toujours est-il que John Dies At The End, malgré ses défauts, est un pur plaisir cinéphile mais qui s’adresse uniquement à un public très averti, notamment par sa folie ambiante lui donnant un aspect What the Fuck totalement assumé par ses auteurs.

Un film fou aux dialogues acérés et aux situations folles qui ne semble jamais s’arrêter. Ça fait du bien !

Titre : 

Acteurs : Chase Williamson, Rob Mayes, Paul Giamatti, Clancy Brown, Glynn Turman, Doug Jones et Daniel Roebuck

 Gallerie d’images:

Avis de Cherycok :
Les Zucker ont bâti leur réputation en tant que réalisateur ou producteur sur des comédies bien crétines que tout le monde connait telles que Y’a-t-il un flic pour sauver la Reine et ses deux suites, Y’a-t-il un pilote dans l’avion ? ou encore Top Secret, voire plus récemment Scary Movie 3 et 4. La qualité n’est pas toujours au rendez-vous mais on se paie tout de même de bonnes barres de rire surtout quand on est comme moi un bon client pour ce genre de production. Alors lorsque Jerry Zucker aligne un casting tel que celui de Rat Race, l’amateur de gag couillon que je suis se devait d’y jeter un œil histoire de se détendre les zygomatiques.

Ce scénario assez simple, un milliardaire qui offre 2 millions de dollars au premier des concurrents qui va d’un point A à un point B par les moyens qu’il veut, n’est bien entendu qu’un prétexte pour aligner des scènes toutes plus débiles les unes que les autres. Outre les personnages qui sont parfois bien barrés à l’instar de lui interprété par Rowan -Mr Bean- Atkinson qui a la particularité de s’endormir n’importe où et n’importe quand et qui à eux tout seul sont une vaste blague, c’est plus ce qui va arriver à chacun des concurrents qui va être le moteur de cette comédie.

Autant certains gags tombent carrément à plat car souvent trop tirés par les cheveux (le coup de la moustache de Hitler qu’on voit venir à des kilomètres), d’autres valent leur pesant de cacahuètes. Souvent très visuels, certains sont étalés sur la durée et reviennent de temps en temps, parfois au moment où on ne s’y attendait pas. Le coup de la vache accrochée par une patte à une montgolfière et qui bien entendu va se cogner sur tout ce qui bouge fait à chaque fois son petit effet. C’est toujours très bête, on préfèrera forcément les mésaventures d’un des personnages plutôt que celles d’un autre, mais dans l’ensemble, et si bien entendu on adhère un minimum à ce genre d’humour, il a des chances que le nombre incroyable de pitreries à la minute fasse son petit effet.

Le film est malheureusement plombé par une fin trop bon enfant qui tranche un peu avec le reste du film et ses gags parfois assez méchants. Du coup, le soufflet retombe un peu et on est forcément déçu de finir sur cette note négative. Néanmoins, Rat Race est suffisamment rythmé et con comme la lune pour se payer une bonne tranche de rigolade et c’est déjà pas si mal.

Titre : Cash Express / Rat Race / Course Folle
Année : 2001
Durée : 1h50
Origine : U.S.A
Genre : Comédie
Réalisateur : Jerry Zucker

Acteurs : Cuba Gooding Jr., Seth Green, Rowan Atkinson, Whoopi Goldberg, Breckin Meyer, Jenica Bergere, Vince Vieluf, Jon Lovitz, Andrew Kavovit, John Cleese, Dave Thomas, Amy Smart, Dean Cain

Avis de Cherycok :
Dans le milieu des mauvais films, on distingue deux catégories : les navets et les nanars. Et dans le milieu des nanars, il y a donc les nanars, mais aussi LES nanars, ceux qui vous marquent toute une vie, qui ne prennent pas une ride malgré l’âge et les multiples visionnages, qui du début à la fin débordent de scènes tellement crétines qu’ils permettent de rigoler à s’en faire mal au bide. Et parmi eux, on trouve The Barbarians, fleuron de l’heroic fantasy made in Italia, une masterpiece que tous les amateurs de mauvais films sympathiques se doivent d’avoir vu une fois sous peine d’avoir raté leur vie !

Après le succès de Conan le Barbare, la Cannon décide de produire son propre film d’heroic fantasy et pour réduire le budget délocalise le tout en Italie, l’El Dorado de l’époque pour tous les films d’exploitation, en y plaçant comme héros deux catcheurs culturistes, les frères David et Peter Paul. De l’aveu même de Ruggero Deodato, le film à la base devrait être tout ce qu’il y a de plus sérieux. Mais devant l’amateurisme des frères Paul, et surtout leur forte tendance à déconner et rigoler sans arrêt, il décida de plus se la jouer sur le ton de la comédie. Toujours selon le réalisateur, les deux frangins ne forceraient même pas le trait de la grosse pantalonnade pour leur personnage, ils seraient réellement dans la vie comme ils sont dans le film, c’est-à-dire un cerveau d’un gamin de 8 ans dans un corps d’adulte musclé à outrance aussi haut que large.
En résulte un film à l’image de ses deux héros : bourré de testostérone et complètement débile, mais toujours dans la joie et la bonne humeur.

C’est simple, ça n’arrête pas une seconde, aussi bien en terme d’action que de conneries à la seconde, car s’il y a une chose qu’on ne peut pas reprocher aux frères Paul, c’est d’être des maitres de l’autodérision. Ils ont l’air de se foutre complètement d’être ridicule à l’écran et s’éclatent comme des petits fous à pousser des cris de bêtes, se chamailler, le tout dans des dialogues complètement crétins récités avec toujours un petit sourire en coin. Certaines scènes sont tout simplement mythiques à l’instar du combat entre nos deux héros, chacun croyant que son frère est mort, avec l’un des deux qui, découvrant la tête de l’autre après avoir cassé son casque nous balance d’un air benêt : « Mais qu’est ce que tu fais avec ma tête !?! ». C’est du grand art de bout en bout.
Il faut dire que le scénario et sa mise n’aident pas à rendre tout ça crédible avec ses incohérences toutes les trois scènes, comme par exemple nos jumeaux qui vieillissent de 15 ans alors que tout le reste du casting n’a pas pris une ride et ont gardés les mêmes vêtements, maquillages et coiffure. Mais si ce n’était que cela… Un gosse de 8ans pourrait trouver les passages secrets, les animations des monstres en latex sont catastrophiques, plus particulièrement celles du dragon si on peut appeler ça comme ça… Les raccourcis scénaristiques tiennent vraiment du n’importe quoi… C’est simple, pas une minute du film ne peut être prise au sérieux et chaque scène est une œuvre d’art à elle seule.

Quand ce ne sont pas les rares scènes calmes qui tiennent du nanar de compétition, ce sont les scènes d’action nombreuses et particulièrement les bastons. Point d’affrontement épique ici mais plutôt des bagarres à la sauce Bud Spencer et Terence Hill, parfois avec des armes blanches, avec tout ce que ca implique des grosses baffes qui claquent bien dans la gueule de cascades grotesques à base de sauts périlleux approximatifs. D’autres se la jouent un peu plus sérieux comme le combat final mais sont complètement décrédibilisés par une bande originale foireuse de A à Z et d’innombrables faux-raccords qui feraient la joie de Michel et Michel d’Allociné, fleurant bon le jemenfoutisme du monteur.
Même les personnages qui participent à ces scènes sont complètement folklo, certains pourtant interprétés par des acteurs ultra charismatiques à l’instar de Richard Lynch ou de Michael Berryman (La Colline a des Yeux), orné d’une corne de rhinocéros ridicule sur le front, totalement en roue libre, se contentant dans toutes ses scènes de cabotiner jusqu’à plus soif.

The Barbarians, c’est du nawak ultra jouissif, le genre de nanar mouse costaud qu’on ne se lasse pas de revoir tant il est d’une débilité sans nom, digne représentant d’une époque aujourd’hui belle et bien révolue où le cinéma d’exploitation était capable de générer pas mal de pognon, le film ayant rencontré son petit succès en salles dans plusieurs pays (dont l’Italie). Si on pouvait parler de chef d’œuvre du nanar, The Barbarians en serait un sans problème.

Titre : Les Barbarians / The Barbarians / I Barbari / The Barbarian Brothers / I Fratelli Barbari
Année : 1987
Durée : 1h24
Origine : Italie / U.S.A
Genre : Nanar heroico-fantasico-débilico-jouissif
Réalisateur : Ruggero Deodato

Acteurs : Peter Paul, David Paul, Richard Lynch, Eva LaRue, Virginia Bryant, Sheeba Alahani, Michael Berryman, George Eastman, Raffaella Baracchi, Benito Stefanelli

Avis de Godsamo :
La saga Mortal Kombat s’embourbait dans la médiocrié depuis de nombreuses années, en particulier après son passage à la 3D pour le quatrième opus en 1997. Bien que de bonne facture, les épisodes sortis sur la génération Xbox, PS2 et Game Cube ne permettaient pas de retrouver les sensations des premiers opus. Le pompon fut atteint avec le sympathique mais très aseptisé Mortal Kombat Vs DC Universe (2008) : fatalités bidons, univers trop différents pour bien s’imbriquer, roster léger même si les personnages principaux des deux camps étaient présents. Le jeu ne s’est pas trop mal vendu mais les fans de la première heure (comme moi) ne s’y sont une nouvelle fois pas retrouvés. Nous ne parlerons même pas des spin-off qui, à part le génialissime Shaolin Monks, sont d’une nullité effroyable.

Pendant que la Warner appâtait les joueurs avec Batman et toute sa clique, Capcom sortait en arcade le nouveau volet de son jeu de combat mythique qui mélange parfaitement graphismes actuels avec gameplay à l’ancienne : Street Fighter IV. Le résultat est excellent et attire les joueurs en masse, cela amenant le géant américain de la production à se dire qu’il pourrait faire la même chose. Le développement d’un Mortal Kombat avec une réalisation moderne et un gameplay en 2D est lancé, il s’agira d’un reboot couvrant les opus en 2D ; la tâche est confié à Nether Realm Studios, anciennement Midway, ayant à sa tête Ed Boon, un des papas Mortal Kombat.

Pour expliquer le reboot, les scénaristes ont bossé dur ; en effet, le jeu commence là où s’achevait la volet Armaggedon : les deux seuls survivants  de la boucherie sont Raiden et Shao Khan qui est en train de massacrer ce premier. Le Dieu du Tonnerre, en s’envoyant un message dans le passé, espère modifier le déroulement des l’histoire. Nous voilà donc transportés au début du premier tournoi de Mortal Kombat et nous revivrons les tentatives désespérées de Raiden de sauver le Royaume Terre à travers les 3 premiers opus de la saga.
 
Il est trop rare qu’un jeu de combat offre une histoire cohérente et bien faite alors quand on en a un sous la main, autant en profiter. Elle est certes simple et manichéenne mais correctement menée, tout s’enchaîne sans problème, aucune incohérence particulière n’est à relever. Cette partie du jeu correspond à la campagne où le joueur incarnera différents héros du jeu au cours de sa progression. La mise en scène est de bon niveau, de nombreuses et longues cinématiques ponctuent les combats sans temps mort, au point d’avoir l’impression de se retrouver devant une série télé ; il faudra jouer plusieurs heures pour voir la fin de l’histoire. Les dialogues ne volent pas haut, certains personnages bien  passent presque pour des demeurés (surtout Johnny Cage), et la synchronisation labiale a quelques ratés mais il ressort du tout un second degré et une nanardise assumée fort sympathique.

Un effort non négligeable a été fait afin que tout les acteurs soient différents, aussi bien pour leur personnalité que pour leur apparence. Terminé les ninjas multicolores et les protagonistes transparents, désormais chacun des combattants possède un certain charisme et sa propre apparence. C’est une bonne chose sachant qu’ils sont au nombre de 30 (31 sur Playstation 3 qui offre Kratos de God of War en plus) dont 3 boss non jouables. Quatre personnages supplémentaires sont disponibles via DLC, ils ont par la suite été inclus à l’édition Komplete du jeu. Tout ce petit monde est bien modélisé et évolue dans des décors nombreux et variés qui rappelleront de bons souvenirs aux fans de la première heure. La violence typique des Mortal Kombat est toujours présente et les blessures occasionnées par les coups, en plus de faire gicler le sang par litres, sont visibles sur les lutteurs qui se retrouvent parfois dans un piteux état à la fin des affrontements. Les légendaires fatalités sont évidemment toujours présentes et pour notre plus grand plaisir, les développeurs ont ajouté, comme dans beaucoup de jeux de combats, un super coup douloureux (surtout à voir) nommé X-Ray. Ce coup, différent pour chaque personnage, provoque un zoom et, comme son nom l’indique, une vision en rayons X de la zone où le combattant va fracturer un ou des os de son adversaire. Le bruitage des craquements d’os est à glacer le sang (surtout avec Sub Zéro) et tous les autres sons du jeu, de même que les voix et musiques collent sans problème à l’ambiance puissante et brutale qui se dégage du titre.

Outre le long mode Histoire, Mortal Kombat propose l’habituel 1 contre 1, des tag-battle à 2 contre 2, le jeu en ligne, la Tour des Défis, les épreuves de force, un didacticiel et la Krypte. Cette dernière sert à débloquer divers bonus en utilisant les points gagnés au fil des victoires : nouvelles fatalités, costumes alternatifs, artworks, musiques…
La Tour des Défis consiste en un enchaînement de trois cents épreuves : battre plusieurs adversaires avec une seule barre de vie, frapper des parties du corps précises, ne pas utiliser de coups spéciaux, combattre sans bras ou sans tête (oui oui, vous ne rêvez pas) ou encore le grand, le merveilleux, le mythique Test Your Might où il faudra casser divers matériaux ne rendant pas les coups à mains nues. Ce mode de jeu rafraîchissant brise la monotonie des combats classiques et il demande, tout comme l’Histoire, quelques heures manette en main pour en venir à bout.

Le didacticiel, bien fait, sera utile pour s’entraîner à survivre à toutes les situations rencontrées : mouvements de base, coups spéciaux, combos, combat normal ou en tag ainsi que les fatalités. Tout ça ne sera pas de trop pour maîtriser tous les personnages, surtout qu’ils ont chacun une jouabilité différente et, à l’exception des fameux Mortal Kombatiens uppercut, balayette et coup de pied faisant voler l’adversaire communs à tous les protagonistes, les coups et combos sont nombreux et assez simples à sortir, ce qui permet de ne pas ressentir de monotonie. Seules les fatalités, toujours aussi gores, parfois à la limite du risible, sont un peu plus délicates à effectuer. Il y en a pour tous les gouts, ne pas trouver son gladiateur favori relève de la mauvaise foi.
 

A l’instar de Street Fighter IV, les affrontements se déroulent en 2D. Fini les pas latéraux, on se déplace sur un seul plan. Chacune des touches d’attaque correspond à un membre : poing avant, poing arrière, idem pour les pieds. Une touche sert à effectuer la projection, une à se protéger, une autre à inverser sa garde et le dernier bouton est utilisé afin de permuter entre ses combattants en tag-battle. Lors de ceux-ci, de nouveaux coups et combos exécutables à deux sont disponibles.

Le jeu propose désormais de charger une barre de super coup à trois niveaux : le premier donnera accès à des coups spéciaux plus forts, le deuxième permet de lancer un contre et le troisième donne droit à l’utilisation d’un X-Ray évoqué plus haut. Ce dernier est tellement jouissif que ça vaut la peine de laisser la barre se charger au maximum mais attention, si l’adversaire se protège ou esquive, la jauge redescendra à zéro et il faudra recommencer.

L’animation n’est pas en reste et, bien qu’elle soit un peu rigide pour accentuer la brutalité des joutes, suit parfaitement l’action ; les coups sont vifs et s’enchaînent naturellement. Ce Mortal Kombat ne fera pas mal à la tête à cause de ça. C’est plutôt l’I.A. et qui pourrait parfois rendre fou, en particulier les personnages pouvant se téléporter. La console prend un malin plaisir à éviter les attaques en passant dans notre dos pour mieux nous faire mal… La palme revient comme d’habitude à Shao Khan qui est quasiment invincible et qui vous pompe votre barre de vie en trois ou quatre mandales. La technique pour le vaincre est la même depuis Mortal Kombat 2 : attendre qu’il vous nargue pour lui taper dessus. C’est frustrant mais heureusement c’est un des seuls points vraiment négatifs du titre alors on ne va pas bouder pour si peu, surtout qu’avec tout le contenu présent, le nombre de personnages disponibles et la variété des coups proposés, la durée de vie est ni plus ni moins infinie si l’on accroche à ce Mortal Kombat.

Conclusion
Nether Realm revient aux sources de Mortal Kombat de fort belle manière. Le jeu est bien réalisé, complet, violent, brutal et varié, on ne s’ennuie jamais. Les amateurs de la saga accrocheront à coup sûr et tentera peut-être même les détracteurs.

  Titre : Mortal Kombat
  Année : 2011
  Studio : Nether Realms Studios
  Editeur : Warner Bros Games
  Genre : Kombat Mortel

  Joué et testé sur : Xbox 360
  Support : DVD

Avis de Flotomatik :
Mais d’où peut sortir un scénario aussi port-nawak ? Apparemment de l’esprit ( alcoolisé ? ) de ce bon vieux Capitaine Kirk, William Shatner pour les intimes. En tout cas cette histoire de serpent de feu ressemblant à un dragon en provenance du soleil qui se balade sur des câbles électriques et qui ira jusqu’à se déplacer en voiture ( oui oui, vous avez bien lu ); une histoire pareil n’a pu que redonner le sourire aux producteurs de Cinetel Films, spécialistes en mauvais gout. C’est simple, les nanars d’aujourd’hui c’est soit un film catastrophe ( au choix : astéroïdes, tornades, incendies, tremblements de terre ) soit un film de monstres ( requins, araignées, serpents, crocodiles ). J’imagine bien la réunion chez Cinetel Films. Lisa Hansen, productrice opportuniste, qui croise Neil Bregman à la machine à café. Un dialogue passionnant s’en suit :

- Hey Neil ! J’ai une super idée, on pourrait faire un film d’incendie, j’ai eu Digital Slaves SFX au tel cet aprèm, ils font -25% sur les effets de feu, ils leur en reste un tas non exploitées.
- Oh nan LIsa ! On avait dit le film de serpent ! C’est ça qui fait peur aux gens, et puis on pourrait faire plein de jeux d’mots avec les serpents.. gloussa Neil d’un air narquois
- Mais les pompiers c’est le meilleur filon, le peuple les adorent, hop une combinaison ridicule et c’est des héros.
- Ouais tu parles, c’est surtout les gonzesses qui aiment les pompiers.

Et soudain, un type passe dans le couloir, l’air mystérieux.

- Bonsoir, j’vous ai entendu parler et j’me suis dis que vous aviez tous les deux raison. Pourquoi ne pas faire un film sur un serpent de feu ? murmura le vieil homme qui reparti aussitôt.

- Mais.. mais oui bien sur ! C’est génial comme idée ! Bon, Lisa, on met 2 millions là dessus, et rappelle Digital Slaves SFX avant qu’ils ferment.
- D’accord Neil, mais ce type là il te disait pas quelque chose ? Genre Capitaine Kirk avec 40 ans de plus ?
- Mouais, au pire on mettra son nom sur la jaquette, ça va leur plaire quand on va l’distribuer à SyFY !

On ne saura jamais si ça s’est bien passé de cette façon. En tout cas, ils décidèrent d’en confier la réalisation à John Terlesky, yes man de séries télé diverses et variés. Après tout, c’est un téléfilm, donc casting de séries télé aussi : Nicholas Brendon ( Buffy et les vampires ) aka le héros le moins charismatique que la terre ait pondu et Sandrine Holt qui a l’air de s’ennuyer sévèrement dans le film, comme le spectateur d’ailleurs.

Je n’vous cache pas que l’histoire est tout sauf prenante, ponctuée de longues scènes de dialogues insipides. On ne s’attache à aucun moment aux personnages. On doit tout de même reconnaitre que pour un script nanar, celui là est particulièrement original. En effet, il n’y a ni effets gores ( sauf une exception risible ), ni « jeunes libidineux futures victimes », ni même une romance entre le héros pompier et la nana de la National Fire Agency. Mais c’est bien là que réside le principal problème du film. Malgré ce scénario « out of this world », ils ont décidé de faire un film hyper 1er degré qui se prend au sérieux du début à la fin. Sauf que l’histoire déborde d’incohérences et d’effets spéciaux super cheapos, surtout pour le final.

Arrêtons nous un moment sur les attaques de ce fameux serpent de feu, ça va nous faire les abdos. Le serpent de feu a l’étrange capacité de s’infiltrer dans un être humain pour le transformer en une sorte de zombie qui crache du feu par les yeux à une ou deux reprises avant de vomir ce feu et de mourir. Ceci va donner lieux à 3 ou 4 scènes qui se dérouleront presque exactement de la manière, engendrant un effet de répétition particulièrement lassant d’autant plus que c’est vraiment moche. Mais à la surprise générale, le serpent de feu est loin d’être un coriace. Il suffit de tirer sur une personne dont il a pris possession, où bien de tirer deux à trois grenades à eau lorsque qu’il est à l’air libre et l’affaire est dans l’sac ( en peau d’serpent ).

Dans les séries télé, le premier épisode appelé « épisode pilote » est une sorte de test pour voir si la formule fonctionne. J’ai bien l’impression d’avoir vu un « film pilote » qui ne m’a pas du tout convaincu. Mais apparemment la formule a séduit les producteurs. En effet le combo Nanar Shampooing 2 en 1 , catastrophes et monstres n’est pas près de dire son dernier mot. Dans l’même genre, on peut aussi voir Arachnoquake, chroniqué ici par Rick, et prochainement Sharknado ( non ce n’est pas un requin adolescent, mais une tornade pleine de requins..) par les cinglés de chez Asylum.

En bref, Fire Serpent est aussi venimeux qu’un somnifère à force de se prendre trop au sérieux. Avec un casting pas du tout impliqué, des effets spéciaux bâclés et une mise en scène aussi plate que l’héroïne du film, 88 minutes en paraissent 180… Mention spéciale aux doubleurs français qui rivalisent d’amateurisme avec l’intensité d’un répondeur vocal. A éviter

Titre : Fire Serpent
Année : 2007
Durée : 1h29
Origine : U.S.A / Canada
Genre : Grillade de Serpent
Réalisateur : John Terlesky

Acteurs : Nicholas Brendon, Randolph Mantooth et Sandrine Holt, Robert Beltran, Lisa Langlois, Patrice Goodman, Richard Clarkin, Steve Boyle, Diego Klattenhoff, Michelle Morgan, Vito Rezza, Joseph Motiki, Marco Bianco

Ca se passe chez notre ami Oli : Jeux Vidéo et des Bas

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Avis de Cherycok :
Avec sa jaquette lorgnant du côté des productions bas de gamme des années 90, son pitch léger et son casting de seconds couteaux, Exit Speed avait de quoi faire peur d’autant plus que son réalisateur Scott Ziehl n’a pas une filmographie des plus bandantes, essentiellement composée de direct to vidéo voire de téléfilms à l’instar de Sex Intentions 3 (yerk), Road House 2 (sik) ou encore Earth vs. the Spider (mama mia !). Pourquoi s’y intéresser me direz-vous ? Allez savoir, une bande annonce accrocheuse peut-être, annonçant une série B bien punchy, ma toujours irrésistible envie de dénicher des petits films méconnus mais qui valent la peine d’être vus… Un peu des deux en fait, et grand bien m’en a pris car à défaut d’être novateur sur quoi que ce soit, on tient là une petite bobine des plus divertissantes.

Le film commence sur les chapeaux de roue, l’histoire s’installant dès les premières minutes et nous met face à une sorte de croisement entre Speed et Mad Max où un bus rempli d’américains moyens se rendant à el Paso se fait attaquer par des motards dont on ignore réellement les motivations. Ce qui frappe de suite, c’est la violence de certaines scènes, lorgnant parfois même un peu vers le gore. Ces petites montées sanglantes ne quitteront d’ailleurs jamais le film et même après le revirement au bout de 30 minutes vers une sorte de huis clos à ciel ouvert à tendance survival, un peu plus posé en terme d’action, on retrouve régulièrement ces pics de violence graphique qui empêchent le film de stagner au niveau du petit téléfilm gentillet. Corps écrasés par un bus, personnages transpercés par des barres de fer, coup de fusil à pompe dans l’abdomen faisant jaillir tripes et boyaux, le réalisateur sans jamais choquer arrive malgré tout à rendre l’ensemble suffisamment intense.
D’autant plus qu’on s’attache à ces personnages pourtant au départ assez lambda. Sous leur aspect de « monsieur et madame tout le monde », on espère qu’ils finiront le film en un seul morceau. C’est aussi grâce à des acteurs des plus charismatiques comme par exemple Desmond Harrington, qu’on a pu voir dans Détour Mortel ou la série Dexter, Lea Thompson qui a interprété la mère de Marty McFly dans les Retour vers le Futur, ou encore Fred Ward que les amateurs de péloches funs ont pu voir dans les deux premiers Tremors. [SPOILER] A noter le coup du soit disant héros qu’on nous présente dès le début mais qui décède au bout de 5 minutes, un peu à la manière du Feast de John Gullagher. [FIN SPOILER]

Malgré un faible budget de 3.7 millions et des lieux de tournage en quantité limitée (un bus, une route, une casse auto), Scott Ziehl arrive à garder un bon rythme tout le long de son film. Même si on a quand même un arrière gout de recyclage de choses vues à droite à gauche, l’ensemble est assez homogène et accrocheur pour tenir la route de bout en bout et c’est non sans intérêt qu’on suit cet affrontement parfois un peu statique (dans le bon sens du terme) entre ce groupe d’américains moyens se transformant peu à peu en machine à tuer et ces bikers dont on ignore tout, ce qui les rend d’ailleurs que plus froids et effrayants.
Les gunfights sont correctement emballés, sans réel génie non plus, mais ils ont l’avantage de proposer des armes plus originales qu’à l’accoutumée, j’en veux pour preuve avec cette jeune fille adepte du jeu de rôle grandeur nature qui va se servir d’un arc elfique (avec maestria) ou de ce vieux mexicain qui va fabriquer un « lance patate » grâce auquel il vont canarder les ennemis de cocktails molotov. Un tube en fer, un appareil photo jetable, de l’éther, et hop, le tour est joué ! Un vrai petit Mac Guyver en herbe.

Soyons tout de même clair, Exit Speed est loin d’être un chef d’œuvre, il n’en a d’ailleurs pas la prétention. Néanmoins, on sent qu’il n’a d’autre but que celui de divertir le spectateur et sur ce point là, il fait très bien son boulot. Une série B bien troussée.

Titre : Exit Speed
Année : 2008
Durée : 1h27
Origine : U.S.A
Genre : Efficace
Réalisateur : Scott Ziehl

Acteurs : Julie Mond, Desmond Harrington, Lea Thompson, Alice Greczyn, Fred Ward, Gregory Jbara, David Rees Snell, Kelli Dawn Hancock, Nick Sowell, Everett Sifuentes, Wally White

Avis de Rick :
A chaque remake annoncé, une légion de fans (dont je fais bien souvent parti) crie scandale. Et souvent à juste titre. Autant dans certains cas, cela permet de dépoussiérer l’œuvre de base qui prend un peu la poussière (Amityville), autant la plupart du temps, c’est un carnage.  Le remake de Vendredi 13, de Massacre à la Tronçonneuse, de Zombie, des Griffes de la Nuit, ou encore la fausse préquelle / remake de The Thing, pas grand chose à sauver. A mes yeux, seul Halloween de Rob Zombie s’en sort encore relativement bien grâce à des ajouts bien différents. Pour Evil Dead, la peur était grande, tant le premier film, ou même la saga (de seulement trois films), est culte ! Le premier, bricolé au système D, possède encore une ambiance unique et fou la trouille aujourd’hui. Et pourtant, la première bande annonce laissait présager un film méchamment violent, sans scrupules, respectueux du film original. A l’aube de la sortie du métrage en France (demain), les fans l’attendent. Et de pied ferme.

Et je ne vais pas passer par quatre chemins, sans être parfait, et sans me faire oublier le film original dont je suis fan absolu, ce remake s’en sort avec les honneurs, voir bien plus, parvenant à apporter ses propres idées sans franchement changer le fond et l’ambiance de l’original. Pourtant, en voyant l’affiche française et certaines critiques Américaines, la déception pourrait être là. « Le film le plus terrifiant que vous avez vu » annonce l’affiche française. Sauf que Evil Dead, version 2013, ne fait pas peur, du moins pas de la manière dont le public actuel aime avoir peur. Pas de sons venant nous percer les tympans, ou d’éléments venant au dernier moment à l’écran pour nous faire faussement sursauter (comme dans Sinister par exemple). La peur est ici viscérale, violente, car ce remake ne recule devant rien et y va à fond, pour le plaisir du fan, mais également des non initiés (qui vont vite m’énerver en disant « Ce film a tout pompé sur La Cabane dans les Bois »).

Premier point, les personnages ne sont absolument plus les mêmes. Pas de Ash qui se coupera une main et la remplacera par une tronçonneuse comme dans Evil Dead 2 de Sam Raimi, ni même de simples jeunes partis en forêt pour boire et se droguer. Dans cette nouvelle mouture, les personnages sont une bande d’amis qui partent dans la cabane pour s’isoler afin d’aider leur amie à vaincre sa dépendance à la drogue. Le ton est ainsi directement plus sombre, plus dur. Et pourtant, tout cela est précédé d’une bien mauvaise idée qui pullule aujourd’hui sur nos écrans : une scène d’ouverture gore et provocante qui ne sert absolument à rien, si ce n’est plaire à un public qui aurait peur de s’ennuyer pendant l’exposition des personnages et veut dés le départ savoir de quoi le film retourne. Oui, la séquence d’ouverture ne sert à rien, est plutôt vulgaire et gratuite. La présentation des personnages elle, est plus étoffée que dans le film original.

Dommage que certains acteurs manquent un peu de présence, mais ceci dit Jane levy, jouant le rôle de Mia, s’en sort très bien et est très charismatique à l’écran. Quelques changements mineurs opèrent dans l’histoire, et arrivé à la fameuse séquence où les forces du mal se réveillent, le film prend alors un tournant totalement différent du film original, tout en respectant son ambiance, sa logique, et bien entendu, en mettant quelques scènes ou clins d’œil bienvenus. Si les forces du mal se « déplacent » toujours en vue subjective dans la forêt (ne pas mettre ça dans le film aurait été une honte !), la vision des démons, ou plutôt des personnages une fois qu’ils sont possédés est un poil différente, plus sombre, crade. Bon point pour le réalisateur, également coscénariste : ça fonctionne. A noter que Diablo Cody (l’amusant Juno, mais aussi le raté Jennifer’s Body) aurait participé à l’écriture, avant que le réalisateur ne préfère revenir à la précédente version de son script.

Passé la première « apparition », et donc, la scène culte dans l’original du viol dans la forêt, ici beaucoup plus graphique et sanglant, le film prend des allures de montagnes russes, tentant d’aller un peu plus loin une scène après l’autre dans le gore malsain qui fait franchement très mal, et pourtant, en évitant d’aller dans le grand guignolesque comme a si bien pu le faire la saga Saw ces dernières années. Si le gore fait mal dans Evil Dead, c’est justement parce que les situations, malgré l’aspect de possession et les démons, sont réalistes en tout point. Dans ses scènes sanglantes, le réalisateur s’éloigne d’ailleurs totalement du film original, en apportant des idées différentes, certaines réussies, d’autres ayant moins d’impact. Si la tronçonneuse est forcément présente, le reste est beaucoup plus simple : couteaux, cutter, aiguilles, pied de biche, fusil. Tout y passe, et les murs de la cabane sont très rapidement recouverts d’une nouvelle couleur : le rouge.

Ça ne semble plus s’arrêter (la bande annonce en dévoilait beaucoup, mais le film réserve encore de nombreuses surprises), respectant les grandes lignes de l’original tout en faisant du neuf, et ce jusqu’à la dernière demi-heure, qui part alors dans une direction totalement opposée, transformant alors ce remake de l’histoire en variation sur le même thème. Malgré quelques idées pas toujours joyeuses (le changement de personnage principal pas forcément fait très subtilement), le final parvient à capter notre intérêt en amenant beaucoup de nouvelles choses, notamment lors de sa scène finale, qui aurait nécessitée à elle seule 10 jours de tournage. Arrivé au bout du métrage, même si on se dit que Evil Dead premier du nom possédait un petit quelque chose de plus (sans doute l’originalité de sa mise en scène pour l’époque, et son ambiance), on se dit que ce remake n’est pas du tout déshonorant, parvenant à respecter tout en innovant un peu (bien que l’on remarque facilement des influences venant de L’exorciste ou autre). Peut être même le meilleur remake récent, tant l’exercice est finalement casse gueule.

Un remake réussi, ce qui est rare. Si on n’a pas peur, si la scène d’ouverture est ratée, si certaines idées sont étranges, le film ne fait pas un bête copié collé, et l’ensemble est méchamment gore et sérieux.

Titre : Evil Dead
Année : 2013
Durée : 1h30
Origine : Etats Unis
Genre : Remake d’un film culte
Réalisateur : Fede Alvarez

Acteurs : Jane Levy, Shiloh Fernandez, Jessica Lucas, Lou Taylor Pucci et Elizabeth Blackmore